Big, Bigger, Mahler. And Problems // Groß, Größer, Mahler. Und Probleme.

RECORDS: Mahler Symphony Nr. 8 Chicago Symphony Orchestra, Sir Georg Solti, Lucia Popp, René Kollo, others.

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–HERUNTERSCROLLEN FÜR DEUTSCH–

Here we have Gustav Mahler’s Symphony No. 8, also known as the “Symphony of a Thousand.” Few pieces demand so much in terms of the sheer numbers of performers, but also in terms of numbers needed from the pockets of intendants, producers, budgets and patrons. This symphony costs money. Maybe Schoenberg’s Gurrelieder, Wagner’s Meistersinger or Strauss’ Rosenkavalier are in a similar league, but none of these pieces bears their biggest challenge in their name. And with that in mind, it is even more fantastic that the Rotterdam Philharmonic Orchestra has managed to stem two performances in the final season of Yannick Nezet-Seguin’s tenure as chief conductor.

Wielding such a monstrous force of sound is demands a lot of the conductor. For this  reason, several important conductors refuse to conduct it to this day: Daniel Barenboim for example declared that he still had “substantial problems” with the finale and its colossal dimensions.

I always remember one particular anecdote when it comes to this symphony: Mahler’s friends had been trying to persuade him for quite some time to write a christian mass. Mahler had written seven symphonies and several song cycles at this point, but no mass. Why a mass? Well, aside from exploring something new in music, writing a mass could have also helped to calm down the largely antisemitic Viennese public.

Mahler declined, that was not happening. Instead, he started working on his symphony number eight. But the Eighth started becoming something different, something unusual. All of a sudden, we find Mahler putting to music a christian Pentecost choral from the ninth century, Veni Creator Spiritus! Was Mahler in fact writing an actual mass?

Nope, of course not. In part II of the symphony, Mahler does a complete 180, he even switches the language. Instead of a christian choral, sung in latin, we now find ourselves in the final scene of Goethe’s Faust, where Faust has been released from Mephisto and is on the way to heaven. Obviously, sung in German. I do not know of many pieces that simply switch the language in the middle…
Mahler was certainly having fun with all the confusion surrounding his new work. When he was leaving the dress rehearsal for the first performance of the Eighth in Munich, a friend of his happened to be passing by. Gleeful as the rehearsals were going well and the press was reasonably happy, Mahler had an extra spring in his step. He called over to his friend: “This is my mass!”
No wonder no one could make sense of him.

It’s also difficult to make sense of the actual figures of the Eighth, when you see them on paper. The Symphony of a Thousand is written for 3 sopranos, 2 Alto, Tenor, Bariton and Bass-soloists, 2 large mixed choirs, a boy’s choir, 2 piccolo flutes, 4 flutes, 4 oboes, 1 cor anglais, 5 clarinets, 1 bass-clarinet, 4 basoons, 1 contrabasson, 8 french horns, 4 trumpets, 4 trombones, 1 bass tuba, timpani, percussion, organ, harmonium, celesta, piano, 6 harps, mandolin und and a large string section. Add to that an isolated backstage orchestra with 4 trumpets and 3 trombones. And that’s really all you need.

We of course still need a recording! For this one, I have chosen one of the truly great reference recordings of this piece. With Sir Georg Solti one of the great Mahler conductors of his age is at the rostrum. Solti always managed to conjure such an energy and passion out of whatever he conducted. He did not shy away from unorthodox speeds and conducted some fantastic recordings, including the famous DECCA-production of Wagner’s Ring. At his side is the Chicago Symphony Orchestra, also in its absolute prime. Its brass section, nicknamed the Chicago Brass, was one of the best in the world at this point. This is especially important for this piece, where so much depends on volume and sound masses. Singing alongside the American orchestra are two of the very best concert choirs: The Wiener Singverein and the Vienna Boys Choir. And finally, the singers are top-notch too. World-famous characters such as Lucia Popp, René Kollo and Martti Talvela elevate this recording. Solti looked far and wide for the best possible ensemble. Finally, this recording is also a remastered vinyl recording, meaning that the sound quality is significantly improved.

Yep, we are getting right into it. The organ welcomes us with a gigantic E-Flat Major chord, the choir joins with Veni Creator Spiritus, and we are off to the races! With this symphony, it’s worth knowing the structure we will encounter. In the first movement alone, there are 8 themes and a LOT of sound to begin with. But then, after 90 seconds of triumphant Veni Creator Spiritus, Mahler takes the big sounds in the orchestra back. Instead, we move into a much more comfortable rondo, the melody moves between the soloists. The whole piece sounds more like chamber music all of a sudden, with some very prominent singers in the mix.

This really is a symphony of opposites, and that challenges the conductor: You have to pay attention that you never overshoot. It’s like the first act of Meistersinger: If you play the Vorspiel like an encore in concert and not an overture to a 5-hour-opera, you waste too much energy and work the orchestra up to a level, where it is truly difficult to get it quiet again for the rest of the first act. Solti is an experienced Wagner conductor and knows of these hidden subtleties, keeps a close eye on the dynamics throughout.

DECCA records, the company that produced many of Solti’s earlier recordings, was known for its expert recording technicians. This recording upholds that reputation brilliantly, we get a fantastic impression of the sound and are taken on something of a sound-tour through the orchestra. We move across the stage with the music. The bells at the beginning of the development are normally far away from the listener, but in the recording they appear to be right next to us. The choir was loud a few bars ago, and they are in a completely different place on the stage. And now the concertmaster is playing this wonderful solo, as if we are standing right next to him. But he is next to the conductor, far removed from the bells! We are literally taken on a musical tour around the stage. Solti’s recording of the Eigth has deserved her top spot in many Mahler discographies.

Of course, Solti does not conduct this as he would conduct a mass. There is too much emphatic expression in the choir and the phrasing of the orchestra, the interpretation is too free and operatic to call this a mass (woodwinds and pizzicato strings in the transition to the double fugue, where the bells also appear again). Always ahead of his time, Mahler also composes some truly futuristic passages in the first movement, the transition into the double fugue sounds a little bit like film music. Mahler even begins sketching the paths to atonality that he will walk and complete in his Ninth. His main occupation was actually conducting operas, rather than composing, you hear the influence of that style of music in Mahler’s unique dramatic touch at both ends of the dynamic spectrum.

To be fair, we also have to talk about the problems of this first movement. A double fugue is an extremely complicated construct of musical theory, that Mahler tries to transpose onto a huge apparatus. Between all the calls of the choirs, the organ, the 8 soloists and the huge orchestra, it is hard to discern the intricate structure of the fugue. Mahler makes listening a bit of a battle here.
But, let’s be honest: why try to win that battle? Sure, this symphony is always the jewel in the arguments that construe Mahler as this proportion-lacking gigantomaniac. But does this large apparatus not also have its charms? Looking at the whole breadth of classical music, is it not natural that we also have pieces like this? So many pieces stay within the realm of “normal” dynamics, numbers, sounds, emotions. In my opinion it’s great that there is also a piece that throws away the rulebook, even though it can’t really work.
It is necessary, it is what geniuses do! They go beyond what we expect or want and show us new, unseen things. That in and of itself deserves merit, wether we turn out to like it or not. We are even given the enticing task of making it work, or at least getting as close as we can. This is a more optimistic perspective than the usual anti-Mahler stuff that comes around, but still acknowledges this symphony’s faults. So we dive into the tsunami of sound and just hope that we find the surface again after all those incredible dynamics, chorals and fanfares.

And the music is beautiful as well, so come on 😉 When we get out of the complicated double fugue, you feel like a car in the car wash, with the actual wet wash just finishing. Now the hot air comes and blows you clean, warm and dry (the hot air is of course the main theme in this case, which we hear again in the trumpets). Then Solti launches into a fantastically-executed climactic coda that takes us to the summit of the first movement (an 8-bar-long final chord) and with that the first part of this thing ends, after 23 minutes.

And there is no let up, we get thrown straight into Goethe’s Faust of all pieces. Again, we have no idea what this actually is. Theoretically speaking, the second movement stands somewhere between music drama (opera), cantata (religious music) and oratorio (mixture of both). If anyone is still trying to wrap their head around the theory of this symphony, now is the time to give up. Mahler forces us to abandon all critical vanity, all definitions, theories and that insatiable taste for certainty. Just listen to the music!

We are welcomed by a Poco Adagio, that already introduces us to quite a few themes from the second movement. The woodwinds start off and then form a choral with brass and lower strings, both seasoned with the special Mahlerian spice (percussion, dissonance in the clarinets). If you squint, this may even have potential for film music.

It has emotion, and Solti is an expert at drawing rapturous emotions out of music, we know that from his legendary Tchaikowsky recordings. He injects fantastic tension into both the pulsing end of the Poco Adagio (tremolli in the strings) and the rousing beginning of the following Piu Mosso. And even though the emotions are explosive throughout the second movement, Solti never loses sight of the details. every Pizzicato is foot-perfect, the world-famous brass section is faultless the whole way through. They are not just sharp in their technique, but they also bring drama, emotion and sometimes seem to menacingly loom over the stage. In the end, when we hear the stage orchestra from far away, they seem like the trumpets at heaven’s gates. That is also well-fitting to the work, because that is exactly where Faust is going.

The choruses are also foot-perfect and bring that trademark Viennese expressiveness of the time. Today’s choruses often sing in a different way, looking more for diction and clarity. For Bach and Mozart, that is a pretty good decision. But for the Mahler, you need that emotional component and the Wiener Singverein and the Vienna Boys Choir deliver that wonderfully.

Finally, also the soloists get their chance to shine: With their gripping arias Ewiger Wonnebrand, Wie Felsenabgrund mir zu Füßen and Bei der Liebe die den Füßen, Martti Talvela, John Shirley-Quirk and Lucia Popp deliver on their chance to contribute to this emotional performance.

So whatever this piece is, no one can argue with its conclusion. We have arrived at heaven’s gates, both in the story and the music, with Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis. This Chorus Mysticus can really only come from heaven. The Eighth was Mahler’s only success during his lifetime, after the first performance came riotous, 20-minute long ovations. Already the beginning is magically orchestrated, with harmonium, piano, celesta and piccolo all playing together. Whatever you felt in the last 70 minutes, this makes it all worth it.

Emotion reaches its boiling point. Solti starts out slowly, careful not to lose expressivity, and in doing so somehow finds the solution to the endless riddle of the Eighth. His direction manages to bind all forces into a coherent whole, but keeps the edges and emotions. Claudio Abbado presented a more rounded version in his recording, without the many delicious rhythmic accents that Solti manages to draw out of the music. A never-ending flow of emotion and beauty.

Mahler went overboard on this one, in a way that only geniuses can. And in doing so, he has sent us all straight into musical heaven.

Please check out my other exciting things on classical music! My blog is full of them, let’s have some  fun together 😀

// DEUTSCH

Die “Symphonie der Tausend,” Mahlers Achte. Diese Symphonie stellt größte Anforderungen, nicht nur an alle künstlerisch Beteiligten. Die größte Anforderung geht wohl an die Geldbeutel von Intendanten, Produzenten, Kulturbudgets, Fördervereinen und Mäzenen. Diese Symphonie lässt sich was kosten. Damit ist es umso erfreulicher, dass in Rotterdam in der letzten Saison von Yannick Nezet-Seguin eine Aufführung stattfindet.

Wenige Stücke benötigen solch astronomisch hohe Anzahlen von Menschen auf und fernab der Bühne. Die einzigen Stücke, die mir spontan einfallen, die sich vielleicht in derselben Liga wiederfinden, sind eventuell Schoenbergs Gurrelieder, Wagners Meistersinger oder Der Rosenkavalier von Richard Strauss.

Und nicht nur für die Geldgeber wird es bei dieser Symphonie auf dem Programm ungemütlich. Auch für Dirigenten ist diese Schwarte alles Andere als einfach zu stemmen. Selbst Berühmtheiten wie Daniel Barenboim beschwerten sich bereits, dass sie “große Probleme” mit dem Finale und seinen schieren Klangmassen haben.

Bei dieser Symphonie fällt mir immer eine Anekdote ein: Mahler war seit Jahren immer wieder von Freunden dazu gedrängt worden, eine Messe zu schreiben. Er hatte bis jetzt sieben Symphonien und einige Liederzyklen komponiert, aber eine Messe war nie dabei herumgekommen. Eine kirchliche Messe hätte ihm auch möglicherweise geholfen, die größtenteils antisemitische Wiener Öffentlichkeit von seiner Konvertierung zum Christentum zu überzeugen.

Natürlich lehnte Mahler alle “gut gemeinten Ratschläge,” ab. Typisch Mahler. Stattdessen machte er sich an seine Achte. Die wurde dann aber doch ganz anders als alle anderen zuvor. Im ersten Teil vertonte Mahler plötzlich einen christlichen Pfingstchor aus dem 9. Jahrhundert, Veni Creator Spiritus! Hatte Mahler also doch eine Messe geschrieben? Hatte er sich also doch im privaten entschlossen, eine Messe wäre eine gute Idee?

Nein, natürlich nicht. Er hatte halt nur alle mal wieder ausgetrickst. Im zweiten Teil der Symphonie wirft Mahler allen Schein von vorher raus, wechselt die Sprache. Statt in einem christlichen Choral befinden wir uns plötzlich in der Schlussszene von Goethes Faust II, Fausts Seele ist befreit von Mephistopheles und fährt in den Himmel, natürlich auf Deutsch. Nachdem die letzten 30 Minuten vorher Latein gesungen wurde. Niemand wusste so richtig, was das werden würde, als man davon hörte. Mahler hatte natürlich an den fragenden Gesichtern ungemein Spaß. Als er dann gerade aus der Generalprobe für seine Achte Symphonie kam, lief ihm ein guter Freund entgegen. Mahler war quietschvergnügt, die Proben liefen gut, die Presse war schon im Vorfeld enthusiastisch. Mit beschwingtem Schritt rief er seinem Freund zu: “Das ist meine Messe!”
Kein Wunder, dass aus dem nie jemand schlau wurde.

Aus der offiziellen Besetzung, die in der Partitur steht, wird man auch nicht unbedingt schlau. Die Achte ist geschrieben für 3 Sopran-, 2 Alt-, Tenor-, Bariton- und Basssolisten, 2 große gemischte Chöre, Knabenchor, 2 Piccoloflöten, 4 Flöten, 4 Oboen, Englischhorn, 5 Klarinetten, Bassklarinette, 4 Fagotte, Kontrafagott, 8 Hörner, 4 Trompeten, 4 Posaunen, Basstuba, Pauken, Percussions, Orgel, Harmonium, Celesta, Klavier, 6 Harfen, Mandoline und groß besetzte Streicher. Dazu ein isoliert platziertes Fernorchester von 4 Trompeten und 3 Posaunen. Mahlzeit.

Als Aufnahme habe ich eine der wirklich grandiosen Referenzaufnahmen dieses Stücks herausgesucht. Sir Georg Solti dirigiert als einer der wirklich großen Mahlerdirigenten des 20. Jahrhunderts. Solti dirigierte immer mit einer unwiderstehlichen Energie und Leidenschaft, gerade bei Wagner kam das immer gut heraus. Ihm zur Seite steht das grandiose Chicago Symphony Orchestra, in seiner absoluten Hochzeit. Das weltberühmte Chicago Brass kommt in diesem Stück fantastisch zur Geltung, wo es so sehr um Klangmassen und Lautstärke geht. Dazu gibt es die grandiosen Wiener Chöre, Solti suchte sich für diese Aufnahme das bestmögliche Ensemble aus der ganzen Welt zusammen: Es singen der Wiener Singverein und der Wiener Knabenchor. Dazu kommt noch eines des besten Sängerensembles aller möglichen Aufnahmen: Die weltberühmte Sopranistin Lucia Popp ist unter Anderem bei den Frauen im Einsatz, bei den Herren hören wir ebenfalls Top-Kräfte mit Sängern wie René Kollo und Martti Talvela. Diese Aufnahme ist auch deshalb wertvoll, weil sie eine gemasterte Vinyl-Aufnahme ist. Damit wird die Aufnahmequalität deutlich erhöht.

Bei dieser Symphonie ist interessant zu wissen, wie kompliziert die musikalische Struktur ist: Ganze 8 Themen gibt es allein in den ersten 30 Minuten. Es geht auch gleich stürmisch los. Mit einem lauten Es-Dur Akkord begrüßt uns die Orgel, sofort steigt der Chor ein mit Veni Creator Spiritus! Doch nach etwa 90 Sekunden Getöse nimmt Mahler plötzlich die Klangmasse zurück. Stattdessen gibt es ein bequemes Rondo, ein detailliertes Umspielen unter den Solisten. Plötzlich hört man nur noch ein Kammerorchester mit sehr prominenten Sängern.

Wahrhaftig ist diese Symphonie voller Gegensätze. Für den Dirigenten ist das nicht einfach, man darf nie über das Ziel hinausschießen. Es ist wie beim ersten Akt der Meistersinger: Spielst du das Vorspiel wie eine Zugabe, mit ganz viel Energie und Getöse, hast du gleich für den ganzen Rest des ersten Aktes Mühe, das Orchester wieder leiser zu bekommen. Solti hat das verstanden, ist er doch ein erfahrener Wagnerdirigent.

Durch die großartige Aufnahmetechnik der DECCA bekommen wir auch einen abgerundeten Höreindruck von allen beteiligten. Die Glocken zu Beginn der Durchführung, die der Hörer im Saal etwa meist von weit entfernt. Hier stehen sie plötzlich direkt neben Dir! Aber gerade war doch der Chor richtig laut, und der steht doch ganz woanders! Und jetzt spielt schon der Konzertmeister dieses hinreißende Solo, in dem das erste Thema durchgeführt wird, der ist auch unglaublich hörbar. Man läuft mit der Musik über die Bühne, im Orchester herum. Der Begriff musikalische Reise wird wörtlich genommen. Soltis Aufnahme der Achten hat ihre Geltung nicht umsonst bis heute behalten.

Ganz wie eine typische Messe dirigiert Solti das Ganze nicht. Emphase im Chorgesang, die Phrasierung im Orchester, all das ist doch zu losgelöst und opernhaft (Bläser, Pizzicato-Streicher in der Überleitung zur Doppelfuge, hier tauchen auch die Glocken zum zweiten Mal auf.) Aber er muss es ja auch nicht wie eine Messe von Bach oder Cherubini dirigieren. Die Symphonie ist vielmehr eine Mahlersche Messe, eine Hymne an die Mahlersche Musik. Mahler war seiner Zeit immer wieder voraus, in der Überleitung meint man gar ein Stück Filmmusik zu hören! Mahler beginnt hier gar, den Weg in die Atonalität zu zeichnen, den er in der Neunten vollenden wird. Besonders in dieser mittleren Passage des ersten Satzes hört man, dass Mahler sein Leben lang Opern dirigiert hat. Er hat eben dieses unnachahmliche Gespür für das Dramatische, an beiden Enden des Klangspektrums: Im Leisen und im Lauten

Natürlich muss man auch zu den Problemen dieses ersten Satzes etwas sagen: Mahler komponiert hier in der Mitte zum Beispiel eine Doppelfuge, ein extrem kompliziertes musikalisches Gebilde, mit einem riesigen Apparat. Vor allen Zwischenrufen des Chors, der rufenden Orgel, den acht Solisten, dem riesigen Orchesterapparat… Richtige Struktur hört man da nur schwer heraus. Mahler macht einem das Hören nicht einfach.
Aber soll man hier überhaupt gewinnen? Natürlich wird diese Symphonie oft als der Gipfel der Mahler-Gigantomanie abgetan, aber hat der große Apparat nicht auch Charme? Ist es nicht folgerichtig, dass uns die großen Komponisten auch so ein Stück geschenkt haben? Neben den ganzen Symphonien, die im Rahmen liegen, es eben auch ein Stück gibt, das ihn Sprengt? Eins, dass eigentlich nicht wirklich funktionieren kann, aber doch uns die Aufgabe gibt, das Beste draus zu machen? Diese optimistischere Perspektive finde ich zumindest ansprechender und positiver als der Anti-Mahler Negativismus. Stürzen wir uns also ab in die Klangflut und hoffen wir, dass wir nach den ganzen irren dynamischen Wendungen, Chorälen, Fanfaren, am anderen Ende wieder auftauchen.

Und die Musik ist ja auch wunderschön, also bitte! Wenn mann aus der komplizierten Doppelfuge herauskommt, fühlt man sich wohl wie ein Auto in der Waschanlage nach dem eigentlichen Waschen. Und dann kommt die warme Luft des Föhns und bläst einen wieder blitzblank und trocken (die warme Luft ist hier natürlich das Hauptthema, was uns in der Reprise den Trompeten wieder begegnet). In einer von Solti unwiderstehlich gesteigerten Coda geht es hinauf auf den Gipfel (ein achttaktiger Schlussakkord) und dann ist der erste Teil, mit Latein und Pfingstchor, bereits nach 23 Minuten vorbei.

Ab ins Faust. Jetzt ist schonmal unklar, was das hier eigentlich auf dem Papier ist. Mahler nennt es eine Symphonie, aber von der musikalische Definition her changiert das ganze irgendwo zwischen Musikdrama (in Richtung Oper), Kantate (geistliche Musik) und Oratorium (Mischform aus beiden). Also spätestens jetzt motiviert Mahler uns, jedes musikkritische Spießertum abzulegen: Weg mit diesen ganzen Definitionen, Theorietum, dem ewigen “dies soll das sein!” Es geht hier um Musik! Nicht mehr und nicht weniger.

Ein Poco Adagio begrüßt uns, und stellt uns gleich die Mehrheit der Themen des längeren zweiten Teils der Symphonie vor. Holzbläser verweben sich erst, dann schließen sich Blech und tiefe Streicher zu einem Choral zusammen. Beides mit dieser typischen Prise Mahler gewürzt (Schlagzeug, Dissonanz in den Klarinetten) Ist das nicht Filmmusik? Das Potential wäre da.

Solti dirigiert gerade hier mit einer herrlichen Emotion, die man etwa auch von seinen bahnbrechenden Tschaikowsky-Interpretationen kennt. Die Tremolli zum Ende des Poco Adagio scheinen vor Spannung gar zu vibrieren, auch der Einsatz ins folgende Piu Mosso kommt wie eine Granate. Und doch geht das Detail nicht verloren, jedes Pizzicato der Streicher sitzt. Das Blech behält seine Stärke durch die ganze Symphonie hindurch, nicht umsonst ist es weltberühmt. Natürlich kommen die Töne, aber es geht eben auch dramatisch zu, manchmal wirken die Bläser bedrohlich durch abgehackte Melodieführung. Zum Schluss, wo das Fernorchester hinzukommt, scheinen sie wie göttlich aus der Höhe zu kommen. Das ist natürlich auch programmatisch, Faust ist ja hier in den Himmel unterwegs.

Die Chöre singen wunderbar expressiv, aber immer auf Klang besinnt. Ein heutiger Chor würde womöglich etwas anders singen, etwas auf Textausdeutung besinnter, etwas klarer. Für Bach oder Mozart macht das vielleicht auch Sinn, aber für diesen Mahler sind wirklich expressive Chöre wie die Wiener Chöre in dieser Zeit wirklich perfekt.

Mehr als noch im ersten Teil schlägt hier die Stunde der Solisten. Mit ihren ergreifenden Arien Ewiger Wonnebrand, Wie Felsenabgrund mir zu Füßen und Bei der Liebe die den Füßen steuern Martti Talvela, John Shirley-Quirk und Lucia Popp auch ihren Teil zur Emotionalen Ladung des Stücks bei.

Was auch immer dieses Stück ist, im abschließenden Alles Vergängliche ist nur ein Gleichnis findet es einen Abschluss, der eigentlich nur aus dem Himmel kommen kann. Eine gigantische Steigerung, ein Chorus Mysticus, beschließt Mahlers einzigen Erfolg zu Lebzeiten. Von all seinen Stücken wurde nur nach der Uraufführung der Achten einstimmig geschrien und applaudiert, 20 Minuten lang wurde Mahler immer wieder auf die Bühne gerufen. Hier werden neue musikalische Türen aufgestoßen. Das Zusammenspiel zwischen Harmonium, Klavier, Celesta und Piccoloflöte zu Beginn rollt einen Klangteppich aus, auf dem noch nie jemand geschritten war. Selbst, wenn man mit den vorangegangenen 70 Minuten Probleme hatte (das Hören war nicht immer einfach), müssen die Worte Goethes hier versöhnen.

Die Emotion erreicht den Siedepunkt. Solti beginnt ganz langsam, behält die Expressivität bei, und schafft in diesem Finale doch tatsächlich so etwas wie die Lösung des Rätsels der Achten. Er formt den Klang von Orchester, Chor und Solisten so, dass man in der Musik ein zusammenhängendes Ganzes erkennt. Das heißt nicht, dass er die Musik etwa abrundet, wie es zum Claudio Abbado in seiner Aufnahme tat. Die Ecken und Kanten sind da, gerade dem Fernorchester tut das gut. Aber singt da ein Solist? Der Chor? Die Flöte? Egal, es kommt Musik heraus, sie strömt als nie endender Fluss Emotion.

Mahler hat übertrieben, wie nur ein Genie übertreiben kann. Und uns damit alle in den musikalischen Himmel geschickt.

 

 

 

 

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