Abbado, Mahler and that little bit of pizaaz // Abbado, Mahler und dieses kleine Bisschen Pizaaz

RECORDS- Mahler 7. Lucerne Festival Orchestra, Claudio Abbado.

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–HERUNTERSCROLLEN FÜR DEUTSCH–

Claudio Abbado’s Mahler-interpretations are loved by fans of classical music the world over. Abbado had his big break with the Second Symphony and the Vienna Philharmonic in Salzburg and has produced Mahler recordings with a variety of top orchestras across several decades. He began in Chicago, with its famous Chicago brass still strong at the time, then moved on to the Vienna Philharmonic, the Berlin Philharmonic during his time as chief conductor there, and finally the Lucerne Festival Orchestra.

The Lucerne is a special orchestra, it only comes together once a year in the summer. The list of its members reads like a list of the soloists of all the world’s top orchestras: Leipzig, Berlin, Vienna, Amsterdam. In this recording for example, Albrecht Mayer, Solo-oboist of the Berlin Phil, plays the oboe. But besides these top orchestral musicians, the Lucerne is also comprised of musicians that do not usually play in orchestras, soloists that only came because Abbado asked them to. And that makes this recording very exciting. When soloists play in an orchestra, they are not always totally concentrated on the overall sound of the orchestra, but look to show their virtuosity, to live the music in the moment.

Abbado’s reference recording of Mahler’s Seventh Symphony with the Berlin Philharmonic for example, is wildly different from this one with Lucerne. Abbado’s Mahler recordings with Berlin are my favourites for most of Mahler’s works, but the two recordings of the Seventh from Lucerne and Berlin sound like two different pieces altogether, as though there was a completely different music on the desks of the musicians. In the Berlin recording, the focus is on that Berlin sound, putting the music in its time, its connection to the second Viennese school, dissonance and transparency, light and shade points. The Berliners go to the extreme in effect and intellect, a breath-taking journey to a revolutionary new musical place. To me, their recording with Abbado is a high-point of the Mahler discography.

In this Lucerne recording, the focus is on a different Mahler, a more rounded Mahler. And Abbado has fun all the way (smiles in the final movement), not quite going as far to the extremes, rather searching (and finding) an exquisite balance between effect and intellect. The clarinets in the first movement for example are audible, but not as shrill as in Berlin. The tempi are of course still Abbado-Mahler-tempi (lively, sometimes risky), but never losing the overarching thought of consensus.

Abbado and his Lucerne musicians forged a unique musical bond throughout their partnership. Abbado’s pure desire to live, after fending off a cancer diagnosis in the early 2000s, is combined with the virtuoso instincts of some of the world’s top soloists. And it is a great fit for Mahler.

The first movement impresses in its disposition of dynamics. Abbado does not need to show any fear when faced with the acoustic walls that Mahler erects here. The scherzo is filled with spontaneity, but never loses its imposing sound, similar to the Scherzo of the Sixth Symphony of Anton Bruckner.

I am especially impressed by the Rondo-Finale, the final movement. You always hear snippets of the various operas that Mahler was conducting at the time in this piece, the start reminds you of Wagner’s Meistersinger, then there’s a bit of Figaro here (Mozart) and some Boris Gudonow there (Mussorgski). Conductor and orchestra are truly at peace with themselves here, demonstrate a rarely-heard sleaziness (not laziness) while never losing sight of the overall picture. This special way of making music gives this recording that extra bit of pizaaz, that wow-effect that you do not get with the Berlin recording. In Berlin, you are overrun with clear-cut dissonances and seduced by a radical, modern Mahler. In Lucerne, you are hearing a true gala-performance. Only a team that is totally in tune with one another can produce this kind of interpretation, where reliance turns into blind trust.

The orchestra is simply grand all the way, the second movement begins with a lyricism that I have not heard often in Mahler before. Particularly in the famous Nachtmusiken (movements 2 and 4), Abbado takes Mahler to be the opera conductor that he was, out for a singing, smooth quality in music. The phrasing is more human, the tempi are more liberating here compared to Berlin, the interpretation is “keck”, as they say in Austria. And, most importantly, it never ever gets boring. Philosophy, Orchestra, conductor, Mahler- they just fit together too well.

// DEUTSCH

Claudio Abbado ist ja bekannt für seine Mahler-Interpretationen. Mit der Zweiten und den Wiener Philharmonikern erlebte er in Salzburg seinen internationalen Durchbruch. Er legte von jedem Werk Mahlers beeindruckende Aufnahmen vor, immer mit top Orchestern. Die Frühen Aufnahmen mit dem Chicago Symphony und dessen berühmter Blechgruppe („The Chicago Brass“), den Wiener Philharmonikern, den Berliner Philharmonikern (letztere haben die Mehrzahl meiner Mahler-Lieblingsaufnahmen mit Abbado produziert) und letztlich Abbados Patenkind, das Lucerne Festival Orchestra.

Das Lucerne Festival Orchestra ist ein besonderes Orchester, es kommt nämlich immer nur im Sommer zusammen. Neben Solisten der Berliner und Wiener Philharmoniker oder des Leipziger Gewandhausorchesters, (hier etwa Albrecht Mayer an der Oboe, Solooboist der Berliner) kann man hier auch Musiker hören, die sonst eher Kammermusik und nicht große Orchesterschwarten spielen. Und gerade das macht diese Aufnahme so spannend: Die Musiker sind nicht immer automatisch auf den Orchesterklang fokussiert, sondern sind vielmehr auf Virtuosität aus, auf Darstellung, auf diesen einen Moment.

Hört man Abbados Referenzaufnahme dieser Siebten Mahler mit den Berlinern, meint man, man hört ein völlig anderes Stück. Es ist, als läge eine ganz andere Partitur am Pult. Da geht es um Klang, um zeitgemäße Interpretation, um die Verwandtschaft des Stücks zur Zweiten Wiener Schule, um Dissonanz und Transparenz, Licht und Schatten. Die Siebte mit den Berlinern ist extremer Effekt und extremer Intellekt zugleich, eine atemberaubende Reise in ungekannte musikalische Regionen. Ich sehe sie als eine der besten Mahler-Aufnahmen überhaupt.

Mit dem Luzerner Orchester steht das Gesamtbild eines abgerundeten Mahlers im Vordergrund, an dem Abbado sichtlich Spaß hat. Abbado betont hier nicht die extreme, sondern sucht eine Balance zwischen Effekt und Intellekt. Er findet sie, und ist darüber im letzten Satz auch richtig glücklich. Die Klarinetten im ersten Satz etwa sind hörbar, aber nicht so schrill wie in Berlin. Die Tempi sind immer noch Abbado-Mahler-Tempi (lebhaft, auch mal riskant), aber eben doch den Konsens suchend.

Es entstand hier zwischen Abbado und den Luzerner Musikern eine Philosophie des Musikmachens, die das pure Vergnügen und die pure Lebenslust Abbados in dessen Spätzeit nach überstandener Krebsdiagnose mit der virtuosen Finesse der wahrhaftig weltbesten Orchestermusiker und Solisten verband. Und dieses Musikmachen tut Mahler erstaunlich gut.

Der erste Satz ist dynamisch beeindruckend, Abbado hat hier keine Ängste vor den gewaltigen Klangwänden, die Mahler hier vor einem auftürmt. Das Scherzo ist wunderbar schattenhaft, und doch bedacht und klanglich imposant, ähnlich wie das der Sechsten Bruckner.

Besonders hörenswert ist der letzte Satz, das Rondo-Finale. Erstmal ist der Satz großartig, weil man hier immer wieder Schnipsel der verschiedenen Opern hört, die Mahler während der Komposition dieser Symphonie an der Wiener Hofoper dirigierte. Der Beginn erinnert arg an Wagners Meistersinger, dann entdeckt man hier eine Phrase aus Mozarts Figaro, dort eine Anspielung auf Mussorgskis Boris Gudonow. Hier agieren Orchester und Dirigent mit solch einer Lockerheit, ohne je den Blick auf das Ganze zu verlieren. Es ist dieses besondere Musikmachen, was dieser Interpretation dieses Stück Pizaaz gibt, einen Wow-Effekt, den man in der Berliner Aufnahme so nicht findet. Dort wird man von herausgemeißelten Dissonanzen überrannt, von Radikalität verführt und sonst wo hin katapultiert. Hier hört man eine echte Galavorstellung, im wahrsten Sinne des Wortes. So etwa bekommt nur ein eingespieltes Team zustande, das auch emotional auf einer Wellenlänge ist und sich blind vertraut.

Das Orchester agiert durchweg grandios, der zweite Satz beginnt herrlich zart und fließt wunderbar dahin. Mahler klingt in beiden Nachtmusiken (Sätze 2 und 4) sehr lyrisch, die Phrasierung ist menschlicher, die Tempi freier als bei den Berlinern, der erste Hornruf im zweiten Satz erinnert gar an die Gebirgsruf-Hornpassagen einer Dritten Mahler oder Ersten Brahms. Die Musik ist gesanglicher, weniger impulsiv und doch „keck“, wie es in Österreich heißt. Nie ist die Musik langweilig oder bedacht. Dafür hat hier alles zu gut gepasst- Philosophie, Dirigent, Orchester, Mahler.

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